Victor Vasarely Fatos


Victor Vasarely (nascido em 1908), o artista húngaro-francês, foi reconhecido como o maior inovador e mestre da Op Art.

Victor de Vasarely nasceu em Pécs, Hungria, em 9 de abril de 1908. Quando jovem, freqüentou a Academia de Pintura em Budapeste (1925-1927) e depois estudou com Alexander Bortnyik na Mühely, também conhecida como Escola Bauhaus de Budapeste (1929-1930). As escolas da Bauhaus eram conhecidas por abordagens de arquitetura e design gráfico compatíveis com a produção de máquinas de alta qualidade e com objetos e ambientes bem projetados. Na Mühely, Vasarely conheceu os estilos formais e geométricos de Paul Klee e Vasily Kandinsky e a teoria das escalas de cores de William Ostwald.

Trabalhos de primeira mão

Em 1930, Vasarely mudou-se para Paris, e depois disso permaneceu como residente da França. Ele casou-se com Claire Spinner; eles tiveram dois filhos. Nos anos 30, Vasarely foi designer gráfico e desenhista de cartazes que freqüentemente combinavam padrões geométricos e imagens de representação orgânica. O ilógico de reunir diversos objetos de tamanho e escala muito variados traz à mente explorações semelhantes da arte surrealista. Em O tabuleiro de xadrez 2, um desenho revisado em preto e branco de 1936, Vasarely explorou o efeito de vibração visual do padrão insistente, bem como a aparência de profundidade apesar do uso de formas planas e da ausência de modelagem.

Vasamente desejava criar projetos que fossem universais. Um socialista, seu objetivo era produzir uma arte que pudesse ser produzida em massa e acessível para todos. Ele ficou fascinado com uma arte de pura percepção visual sem temas tradicionais e qualidades de representação.

Em 1944, a Galeria Denise René de Paris exibiu os desenhos em preto e branco de Vasarely do final dos anos 30. Esta foi a primeira exposição pública do trabalho de Vasarely. Nesse mesmo ano ele começou a pintar, e em 1945 ele teve uma segunda exposição, dedicada a suas pinturas a óleo. Foi bem recebida, e o poeta e crítico surrealista André Breton declarou Vasarely como um artista surrealista. Vasarely foi influenciado pelo estilo de Salvator Dali, cujas imagens foram cuidadosamente renderizadas por efeito ilusionista, apesar da justaposição ilógica de objetos reconhecíveis.

Novos Níveis de Abstração

Até 1947 Vasarely havia mudado completamente seu estilo e passou a considerar seus três primeiros anos de pintura como um falso começo. A partir de então, o trabalho de Vasarely foi abstrato e cada vez mais baseado na geometria. Ele estava trabalhando para conceber uma nova linguagem pictórica para as massas. Ele estudou repetidamente as paisagens da ilha bretã de Belle Isle, simplificando radicalmente as cenas para transformar a natureza em formas geométricas. Vasaramente, cada vez mais, encontrou seu tema nas ciências—tais como física, bioquímica e campos magnéticos—e descreveu sua arte abstrata como “…criações poéticas com qualidades palpáveis capazes de desencadear processos emocionais e imaginativos em outros”. Sua arte deu formas sensoriais a fenômenos impenetráveis.

Vasamente se sentiu que a cor e a forma estavam ligadas em que cada cor e cada forma deveriam compartilhar a mesma identidade. Ele via sua arte abstrata como composta de pura forma de cor que por sua própria abstração significava o mundo através das associações e respostas ilimitadas do espectador.

Explorações cinéticas

Em meados dos anos 50 Vasarely começou a integrar a arquitetura em sua arte e a produzir obras cinéticas, filmes e escritos. A Galeria Denise René em 1955 teve uma mostra pioneira de arte cinética, “Le Movement”. Entre os representados estavam Vasarely, cujas obras empregavam o princípio do movimento óptico. A preocupação de Vasarely com a percepção ótica o levou a explorar os efeitos do movimento, não do objeto de arte, mas do espectador em relação a ele. Suas obras eram compostas de várias folhas sobrepostas de Plexiglas sobre as quais haviam sido pintados desenhos pretos. O menor movimento do espectador fez com que o desenho parecesse mudar e se mover também. Em conjunto com a exposição Vasarely emitiu seu Manifesto Amarelo, no qual discutiu suas teorias de cor e percepção.

No período branco-preto de Vasarely de 1951-1963, ele usou composições de listras, cheques, círculos ou linhas para explorar os efeitos ilusionísticos que ele poderia alcançar modificando seus padrões para dar a impressão de movimento de superfície ou de formas côncavas ou convexas, como em Andromeda (1955-1958). Ao mesmo tempo, ele desenvolveu a idéia de eliminar a premissa da relação figura-terra, a imagem ou o motivo central colocado contra um plano terrestre ou um ambiente, preenchendo toda a superfície com uma estimulação ótica uniforme. Em conjunto com isto, ele muitas vezes inverteu uma composição invertendo as relações preto-branco ou de cor. Paar 2 (1965-1975), um par de composições em preto e branco justapostas para serem vistas como uma só, é composto de círculos e quadrados que são graduados em escala. Em uma metade as formas são pretas sobre um solo branco e na outra metade são brancas sobre pretas. Onde quer que os círculos sejam usados em uma metade, os quadrados aparecem na outra metade. Ao graduar a escala destas formas, o efeito é de planos de formas que avançam e retrocedem. A percepção óptica criou uma espécie de vibração visual. Como Vasarely perguntou, “não é a óptica, mesmo que seja ilusão, uma parte da cinética…”

Designing Mass-Produced Art

Vasamente se sentiu que a singularidade de uma obra de arte e o envolvimento pessoal do artista em sua execução eram noções burguesas. Ele trabalhava de uma maneira que se prestava à produção em massa por processos técnicos modernos. Limitando-se a linhas planas, formas geométricas simples e cores não moduladas, Vasarely se via como um “criador” de desenhos que poderiam ser produzidos a baixo custo na mesma escala, ampliada ou reduzida. Isto se refletiu em seu método de concepção. Trabalhando em papel gráfico, Vasarely fez anotações de letras (para que a forma aparecesse em um determinado quadrado grafado) e números (de um a 16 para indicar a tonalidade ou o valor de uma determinada tonalidade ou cor). Usando formas e matizes geométricos simples que foram modificados por sua escala de tons estabelecida, ele ou outros poderiam produzir cópias de um desenho. Desta forma, ele produziu arte que ele acreditava poder beneficiar toda a sociedade ao estar disponível e acessível.

Esta reivindicação de significado além do engrandecimento pessoal encontrou justificativa nos anos 60, pois Vasarely influenciou grupos de artistas mais jovens e seus desenhos foram amplamente reproduzidos em cartazes, tecidos e outras imagens em circulação em massa. Enquanto a Op Art (Arte Óptica) teve seu zênite nos anos 60, Vasarely foi reconhecido como seu pioneiro e maior mestre. Ele continuou a trabalhar no estilo Op Art com uma reputação não diminuída até os anos 80 e foi amplamente homenageado. Ele estabeleceu o Centro de Pesquisa Arquitetônica e a Fundação Vasarely em Aix-en-Provence. Em 1976 o Museu Vasarely foi inaugurado na casa em que o artista nasceu em Pécs, Hungria. Para permanentemente

abrigando suas obras, o Centro Vasarely foi aberto em Nova York em 1978 e o Centro Vasarely foi aberto em Oslo, Noruega, em 1982. O trabalho de Vasarely em cinema e design arquitetônico, assim como sua arte mais famosa e seu design gráfico lhe rendeu um lugar de destaque na história da arte moderna.

Leitura adicional sobre Victor Vasarely

Os próprios escritos de Vasarely incluem Plasticité (1969) e Vasarely (1978). Editions du Griffon de Neuchatel, Suíça, publicou três volumes—Vasarely (1963); Vasarely II (1970), e Vasarely III (1974)—que são fontes inestimáveis para o estudo visual da obra do artista, embora cada volume tenha muito pouco texto. Para biografias, ver Werner Spies, Vasarely (1969) e G. Diehl, Vasarely (1972). F. Popper’s Origin e Development of Kinetic Art tem uma seção sobre Vasarely.


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