Sam Gilliam Fatti


Sam Gilliam (nato nel 1933) ha unito gli aspetti della pittura d’azione, della pittura di campo a colori e dell’astrazione post-pittura con il suo approccio unico alla tela sagomata. Il risultato è il colore strutturato dalla forma della tela stessa.

Sam Gilliam è nato a Tupelo, Mississippi, nel 1933. Ha conseguito una laurea in belle arti e un master in pittura (1961) presso l’Università di Louisville, Kentucky. In seguito ha risieduto a Washington D.C. e ha insegnato in scuole pubbliche e in importanti scuole d’arte e università di Washington D.C., Maryland e Pennsylvania. Nel corso della sua carriera, Gilliam si è occupato di problemi di colore, atmosfera e struttura. Il suo interesse per le macchie di colore è stato ispirato, in parte, dal lavoro di “artisti del colore di Washington” come Morris Louis e Kenneth Noland. Una forte influenza filosofica venne anche dallo scultore Rockne Krebs, con il quale Gilliam condivise un edificio di studio.

Il lavoro di Gilliam è ricco e vario e prevede accostamenti di colore e monocromo, sottili macchie di vernice e impasto. I suoi primi lavori degli anni Sessanta sono geometrici e di forte impatto. Nel 1966 si è interessato alle macchie di colore, versando la pittura in flussi ampi e traslucidi, creando così aree di colore saturo che si compenetrano.

Un anno dopo ha iniziato a sperimentare una nuova tecnica che prevedeva di colorare una tela con colori acrilici e poi piegarla o arrotolarla per creare una serie di striature verticali. Le tele venivano poi tese su barelle smussate in modo tale che il dipinto formasse una propria cornice. Questi dipinti piegati del 1967 ricordano il lavoro di Barnett Newman con la striscia verticale ripetuta.

Nel 1968 Gilliam risponde al movimento generale verso la “pittura come oggetto” con il proprio marchio di quadri sagomati: tele sospese di grandi dimensioni (dai 30 ai 40 piedi) con la pittura fluida e ripiegata. In queste opere altamente scultoree, la gravità e la flessibilità del tessuto conferiscono ai dipinti la loro struttura. Il modo in cui il dipinto è appeso può anche determinare la disposizione dei colori, accostando zone non contigue della tela attraverso il drappeggio e la piegatura del tessuto. Queste tele “liberate” non sono vincolate da barelle o telai e sono progettate per unirsi alle loro ambientazioni architettoniche. Non solo le variazioni spaziali sono create dall’avvolgimento e dal drappeggio della tela, ma anche dall’interazione dell’opera con lo spazio contenitivo della stanza. L’effetto a distanza è quello di un intreccio di archi di colore, proprio come l’aurora boreale.

Autumn Surf, un’opera creata nel 1973 per il San Francisco Museum of Art, è stata progettata per essere completamente priva di supporti murali. Centocinquanta metri di polipropilene sono stati stesi e drappeggiati su travi di legno fissate a pali verticali e sono stati anche appesi a ganci per il soffitto. L’effetto complessivo è stato quello di onde che si infrangono sulla linea di riva.

La prima opera all’aperto di Gilliam, un’installazione al Philadelphia Museum of Art intitolata Seahorses, risale a

1975. Si trattava di un vasto progetto che utilizzava 16.800 piedi quadrati di materiale e 250 galloni di vernice acrilica.

P>Più tardi Gilliam ha sperimentato una varietà di armature per i suoi dipinti drappeggiati, tra cui cavalli da sega, pali e paraventi.

Durante gli anni ’70 Gilliam ha continuato a lavorare con le tele allungate, sperimentando la piegatura, la colorazione, la colata e gli spruzzi come metodi di applicazione della vernice. Durante questo periodo il suo lavoro rivela un crescente interesse per gli effetti delle vernici traslucide. La serie Ray Series (1970-1972) utilizza una vasta gamma di colori, toni e intensità. La serie Ahab Series (1973) tende verso un monocromo di bianco argenteo.

Il lavoro di Gilliam del 1973 con assemblaggi che incorporano bottoni, foto e biglietti della lavanderia ha lasciato il posto, a metà degli anni Settanta, a tele strutturate con inserti di colore cuneiformi che sembrano sospesi in un’atmosfera fluida. Gilliam dipingeva le tele, le tagliava in forme geometriche, poi collassava questi pezzi su altre tele. I “dipinti bianchi a collage” del 1976 sono stati creati costruendo strati di pittura in una varietà di colori e toni, poi ricoprendo l’insieme con un impasto bianco testurizzato e sovra-verniciatura. In queste opere il colore appare quasi come pura luce.

Le “pitture nere” iniziate nel 1977 sono anch’esse fortemente strutturate, stratificando la vernice nera su altre tinte e poi rastrellando la superficie del dipinto. Queste configurazioni lineari e i piani geometrici creati dalla tecnica del collage su tela tagliata aggiungono unità e messa a fuoco. La giustapposizione di toni scuri con aree di colore e la miscela di colori opachi e traslucidi danno luogo a un lavoro in cui i toni caldi pervadono e la vitalità della superficie viene esaltata.

Nel 1980, Gilliam ha applicato elementi scultorei sulla superficie delle sue tele, realizzando dipinti scultorei tridimensionali. In seguito ha creato installazioni multimediali e ha usato polipropilene colorato, strati di colore, immagini generate al computer, acrilici metallici e cangianti, carta fatta a mano, alluminio, acciaio e plastica. L’arte di Gilliam è stata un esempio di evoluzione attraverso l’esplorazione estetica.

Sam Gilliam ha esposto frequentemente alla Fendrick Gallery di Washington D.C. Nel 1969 otto delle tele sospese di Gilliam furono incluse in una mostra collettiva alla Corcoran Gallery. Nel 1971 tiene una mostra personale al Museum of Modern Art e realizza anche opere per New Spaces, il Walker Art Center di Minneapolis. La sua opera del 1975 Seahorses faceva parte del Philadelphia Festival Project al Philadelphia Museum of Art, e nel 1977 ha realizzato un’installazione all’Artpark di Lewiston, New York.

Gilliam ha ricevuto numerose commissioni, borse di studio, premi e dottorati ad honorem fin dalla sua prima borsa di studio nel 1967 dal National Endowment for the Arts. Ha esposto a livello internazionale ed è conosciuto in tutto il mondo.

Gilliam ha sposato Dorothy Butler, editorialista di The Washington Post e autore di Paul Robeson, All-American (1976). I Gilliam avevano tre figlie. Per hobby l’artista collezionava giocattoli antichi, soprattutto banche meccaniche, e pezzi di marmo provenienti da tutto il mondo. Risiedono a Washington D.C. dove Gilliam gestisce un grande studio nello storico distretto di Shaw e continua a creare arte che abbellisce l’ambiente circostante e attira gli spettatori con la sua audace diversità.

Ulteriori letture su Sam Gilliam

Le migliori fonti di informazione sugli artisti contemporanei sono i cataloghi delle mostre e gli articoli delle riviste. Tra i primi, i seguenti contengono informazioni utili sul lavoro di Gilliam: Wadsworth Atheneum, Gilliam/Edwards/Williams: Extensions (1974); University of Pennsylvania, Institute of Contemporary Art, Material Pleasures; il Fabric Workshop all’ICA (1979); Smithsonian Institution, National Museum of American Art, Across the Nation: Fine Art for Federal Buildings, 1972-1979 (1980); University Gallery, University of Massachusetts at Amherst, Sam Gilliam: Indoor and Outdoor Paintings, 1967-1978 (1978); e lo Studio Museum di Harlem, Red and Black to “D”: Dipinti di Sam Gilliam (1982).

Gli articoli di aiuto nei periodici includono: Keith Morrison, “Intervista a Sam Gilliam”, New Art Examiner (giugno 1977); Jay Kloner, “Sam Gilliam: Recent Black Paintings”, Arts Magazine (febbraio 1978); Hugh M. Davies, “Sam Gilliam”, Arts Magazine (marzo 1979); e Carrie Rickey, “Art from Whole Cloth,” Art in America (novembre 1979).

Per i periodici su Sam Gilliam vedi: Arte scolastica, Dicembre 1995.

Per le risorse on-line su Sam Gilliam vedere: http: //www.crosstownarts.com/CrosstownArts/clientart/sam/html e http: //www.speedmuseum.org/samgilliam/westlou.html .


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