Philip Guston Feiten


De Amerikaanse schilder Philip Guston (1913-1980) was een belangrijk lid van de New Yorkse School met een sterk stedelijke invalshoek. Het unieke aan zijn carrière is dat hij van een succesvol figuratief kunstenaar naar pure abstractie is gegaan, om vervolgens laat in zijn leven terug te keren naar de figuratieve kunst.

Philip Guston werd geboren in 1913 in Montreal, Canada. Als jongste van zeven kinderen verhuisde Philip in 1919 met zijn gezin naar Los Angeles. Geplaagd door financiële moeilijkheden en persoonlijke conflicten pleegt zijn vader kort daarna zelfmoord.

Guston ging naar de Manual Arts High School in Los Angeles en was een klasgenoot van Jackson Pollock. De twee werden vaste vrienden. In 1930 studeerde Guston kort aan het Otis Art Institute, maar hij stopte er al snel mee. Hij was grotendeels een autodidactisch kunstenaar.

Guston reisde tussen 1934 en 1935 met een vriend naar Mexico, waar hij kortstondig diende als assistent van de Mexicaanse muurschilder David Siqueiros. Later keerde hij terug naar Los Angeles om te werken aan een muurschilderingsproject voordat hij in 1935 Pollock naar New York volgde. Hij sloot zich aan bij het Federal Art Project van de Work Projects Administration, waar hij muurschilderingen maakte voor de wereldtentoonstelling van 1939 en voor het Queensbridge Housing Project op Long Island.

Van 1941 tot 1945 bekleedde Guston een onderwijsfunctie aan de Staatsuniversiteit van Iowa. Tussen 1945 en 1947 doceerde hij aan de Washington University in St. Louis. In 1947 vestigde hij zich in Woodstock, New York, en in de jaren vijftig doceerde hij schilderkunst aan zowel de New York University als aan het Pratt Institute.

Guston’s werk is op grote schaal tentoongesteld. Zijn eerste tentoonstelling in New York had hij in 1945. In 1956 werden enkele van zijn schilderijen opgenomen in de tentoonstelling “Twaalf Amerikanen” van het Museum of Modern Art. In 1960 werd in het Guggenheim een grote overzichtstentoonstelling gehouden en in 1966 deed het Joods Museum in New York een tentoonstelling van zijn “grijze schilderijen”. In 1980, het jaar van zijn dood, stelde het San Francisco Museum of Modern Art een reizende tentoonstelling samen die later in Chicago, Denver, New York en Washington, D.C.

werd getoond.

Guston benaderde de schilderkunst altijd als een middel tot zelfontdekking. Hij hield zich bezig met paradoxen, vooral persoonlijke paradoxen, en zijn werk was het resultaat van een constante dialoog met zichzelf. Zijn artistieke ontwikkeling werd gevormd door zijn behoefte om twee antagonistische manieren van werken te synthetiseren: naturalisme en abstractie. Zijn manier van schilderen weerspiegelde dit. Hij schetste zijn onderwerp nogal letterlijk, en probeerde vervolgens de meeste representatie-elementen te “wissen”.

Diepgaand in het verleden werd Guston door vele kunstenaars geïnspireerd. Schilderijen van de Chirico en Picasso maakten indruk op hem toen hij nog op de middelbare school zat. Hij was ook bijna een decennium lang bezig met de studie van de renaissancekunst, waarbij hij vooral reageerde op het architectonische gevoel voor structuur dat inherent is aan de schilderijen van Mantegna, Masaccio, Piero en Uccello.

Guston heeft de geschiedenis van de kunst altijd gezien als twee overkoepelende thema’s—schilderijen gebaseerd op plezier en schoonheid en schilderijen gebaseerd op zorg en pijn. Zijn eigen werk laat een constante strijd zien om deze twee trends te verenigen, maar de pijnlijke kant leek altijd te domineren.

Stylistisch gezien was Guston’s evolutie van figuratieve kunst naar abstract expressionisme geleidelijk. Zijn muurschilderkunst van de jaren dertig hield zich bezig met het oplossen van ruimtelijke problemen, het synchroniseren van leegtes en vaste stoffen in gecontroleerde diepte. Nooit een realist, Guston kwam dichter bij een kubistische benadering toen hij begon te werken met platte vlakken in plaats van volumes.

Zijn werk uit het begin van de jaren veertig van de vorige eeuw laat zien dat de structuur en de orde van de Renaissance versmolten zijn met de kubistische vereenvoudiging. De jaren veertig van de vorige eeuw waren voor Guston een overgangsfase van tien jaar. Zijn werk werd abstracter naarmate hij zich meer toelegde op vorm en kleur als equivalent voor gevoelens en emoties. Terugkerende thema’s uit de kindertijd bereikten in 1945 hun hoogtepunt met zijn schilderij If This Be Not I (Washington University, St. Louis). Louis). Zijn eerste echte schilderkunstige werk toont gekostumeerde kinderen met Ensoriaanse maskers tegen een stedelijke achtergrond. Het schilderij is vreemd en verontrustend, maar niet beangstigend.

Deze periode was turbulent voor Guston. Hij werd gefrustreerd door zijn onvermogen om zijn emotionele gevoelens op te lossen in het kader van zijn gekozen vormen. Zijn eerste niet-objectieve schilderij dateert van 1947-1948. Uiteindelijk stopte hij in 1948 met schilderen.

Een kans om in Europa te reizen met een Guggenheim Fellowship en een Prix de Rome gaf hem nieuwe aanwijzingen. In deze periode (1948-1949) tekende hij veel, maar schilderde niet. Ook ontdekte hij een nieuwe belangstelling voor schilders uit het verleden, met name voor Titiaan. Toen Guston in 1949 weer begon te schilderen, had hij alle overblijfselen van het kubisme uit zijn stijl verbannen. Het proces van schilderen was zeer belangrijk geworden en resulteerde in een vrijere manier van werken met een nieuwe nadruk op het oppervlak.

In het begin van de jaren vijftig kreeg Gustons stijl de naam “Abstract Impressionisme” vanwege zijn zachte, pastelachtige palet, atmosferische benadering, schilderkunstige penseelvoering en glinsterende oppervlakken. Halverwege het decennium veranderde zijn stijl weer, deze keer werd hij vitaler, agressiever en impulsiever. Hij begon op grotere schaal te werken, waarbij hij de nadruk legde op levendige kleuren en zwart. Het werk uit deze periode lijkt de orde van de Renaissance volledig te verwerpen. Een gevoel van conflict tussen vorm en chaos ligt ten grondslag aan de dubbelzinnige vormen en het expressieve penseelwerk. De jaren 1957-1958 vonden Guston zo dicht als hij ooit bij Action Painting kwam. Zijn gebruikelijke aanpak was geenszins spontaan. Hij werkte door middel van gelaagde verf, schrapen en reviseren zoals hij dat deed.

In de jaren zestig werd zijn werk verzacht. Een bewuste vertroebeling van de tonen en een verschuiving naar grijze en halftonen resulteerde in een stemming van mijmering en introspectie. Vervolgens keert Philip Guston in 1970, in een tentoonstelling die het kunstbedrijf schudde, plotseling terug naar de letterlijke onderwerpen die op een primitieve, cartoonachtige manier zijn geschilderd met vormen die doen denken aan die van Léger. De eerste van deze schilderijen (zoals The Studio, 1969) bevatten gemaskerde en gemaskerde Ku Klux Klan figuren die teruggrijpen op soortgelijke thema’s die de kunstenaar in de jaren dertig en veertig van de vorige eeuw heeft verkend. Deze keer is het penseelwerk echter hard, de kleuren zijn opzichtig en de vormen vereenvoudigd en geschetst.

Later thema’s zijn onder andere interieurs, landschappen, auto’s, gloeilampen, sigaretten, verfborstels en schoenen—soms vastgemaakt aan ontelbare, in elkaar verstrengelde benen, soms alleen. Veel van Guston’s tijdgenoten waren geschokt door zijn terugkeer naar de humanistische inhoud. Toch kon de kunstenaar, net als bij zijn vroege muurschilderingen, door deze verandering in stijl weer verhalende kunstwerken maken.

Guston zei ooit: “Ik ben de hele tijd verbaasd over de voorstelling of niet, het letterlijke beeld en het niet-objectieve. Er bestaat niet zoiets als niet-objectieve kunst. Alles heeft een object, heeft een figuur. De vraag is wat voor soort?” Deze uitspraak helpt de kijker de schijnbare kloof te overbruggen tussen Guston’s niet-objectieve werken uit de jaren ’50 en ’60 en de schilderijen van zijn laatste jaren.

In 1937 trouwde hij met Musa McKim, en in 1943 werd hun dochter, Musa Jane, geboren. Guston ontving twee Guggenheim Fellowships (1947, 1967) en een eredoctoraat van de Boston University (1970).

Verder lezen over Philip Guston

Dore Ashton’s monografie, Philip Guston (1960) is een standaardwerk en geeft nuttige informatie over Guston’s eerste 45 jaar. De catalogus van het San Francisco Museum of Modern Art, getiteld Philip Guston (1980) geeft de beste informatie over zijn late werk en bevat een chronologie en een zeer uitgebreide bibliografie van artikelen en recensies.

Bij de vele discussies over het werk van Guston in tijdschriften komen vooral de volgende zaken van pas: Thomas B. Hess, “Inside Nature, ” Art News (februari 1958); Irving Sandler, “Guston:A Long Voyage Home, ” Art News (december 1959); en Sam Hunter, “Philip Guston, ” Art International (mei 1962).

Extra Biografiebronnen

Mayer, Musa, Night studio:een memoires van Philip Guston, New York, N.Y., U.S.A.:Penguin Books, 1990.

Storr, Robert, Philip Guston, New York:Abbeville Press, 1986.


GOSTOU? PARTILHE COM OS SEUS AMIGOS!