Fatos Woody Allen


b>Woody Allen (nascido em 1935) tem sido um dos cineastas mais proeminentes da América, com uma série de filmes muito pessoais sobre os temas que sempre o obcecaram: sexo, morte e o significado da vida.<

“Se eu me sentasse para fazer algo popular, eu acho que não poderia”, disse Woody Allen ao entrevistador Stephen Farber em 1985. “Eu não estou fazendo filmes porque quero estar no ramo do cinema”. Estou fazendo-os porque quero dizer algo”. Quando Allen era um dos comediantes stand-up mais populares da América, seus fãs poderiam ter zombado dessas palavras, vindo de um homem cujos primeiros modelos foram Bob Hope e Groucho Marx.

Os próprios filmes de Allen foram feitos com orçamentos modestos em Nova York, onde ele vive, sem concessões ao gosto ou controle do estúdio. Apesar da crescente seriedade de seu trabalho, o público nunca perdeu de vista o artista Allen e o personagem que ele criou para si mesmo em seus dias de comediante: um neurótico nerd cuja única defesa contra um universo hostil é seu senso do absurdo, que ele dirige destemidamente a todo e qualquer alvo, a começar por si mesmo. Um homem muito reservado, Allen tornou-se relutantemente uma figura pública, mas através de todas as mudanças e controvérsias, “The Woodman” permaneceu um símbolo de integridade intransigente para seus leais fãs. A esse respeito, ele disse a Farber, “Eu nunca os seguro de forma barata … eu nunca escrevo para eles … eu sempre assumo que eles são pelo menos tão inteligentes quanto eu, se não mais inteligentes, e … eu tento fazer filmes que eles respeitarão”

Woody Allen nasceu Allen Konigsberg em 1 de dezembro de 1935, no Bronx, e cresceu no Brooklyn. Ele mudou seu nome para Woody Allen quando aos 17 anos de idade começou a submeter piadas a uma coluna de jornal, eventualmente atraindo a atenção de um publicitário que o contratou para escrever piadas para seus clientes. Após a formatura, Allen se matriculou na Universidade de Nova York como formado em cinema e depois na escola noturna do City College, mas desistiu de ambos para seguir sua carreira como escritor de comédia. Anos mais tarde, ele disse a seu biógrafo Eric Lax que quando um reitor o recomendou “procurar ajuda psiquiátrica”, se alguma vez quisesse conseguir um emprego, ele respondeu que já estava trabalhando no show business. “Bem, se você está perto de outras pessoas loucas”, admitiu o reitor, “pode ser que você não se destaque”

Felizmente, Allen tinha um dom notável para sua profissão escolhida. Em um recente artigo New Yorker, Adam Gopnik lembrou, “Woody era famoso entre seus contemporâneos por possuir um dom puro e quase abstrato para os one-liners … que podia ser aplicado a qualquer situação, ou passado a qualquer quadrinhos, quase impessoalmente”. Antes de completar 20 anos, Allen havia vendido 20.000 gags aos tablóides de Nova York, casou-se com sua namorada de infância Harlene Rosen e conseguiu um emprego no programa de desenvolvimento do escritor na NBC. Aos 23 anos, ele já estava escrevendo para a maior estrela de comédia da rede, Sid Caesar, e havia assinado com os gerentes de talentos Jack Rollins e Charles Joffe, que mais tarde produziriam seus filmes. Ele também havia contratado um tutor da Universidade de Columbia para ensinar-lhe literatura e filosofia em casa.

No impulso de seus novos gerentes, Allen começou a executar seu próprio material em uma pequena casa noturna de Nova Iorque em 1960. Honrando seu ofício em dolorosos encontros com o público noite após noite, seis noites por semana, ele atingiu uma mina de ouro de material de comédia quando ele e Rosen se divorciaram em 1962. (Suas piadas sobre sua ex-mulher acabaram levando a um processo judicial de Rosen que foi resolvido fora do tribunal). Nessa época Allen estava começando a aparecer na televisão de rede e foi um sucesso na lendária cafeteria de Greenwich Village, The Bitter End.

ÀÀ semelhança de outros quadrinhos da época, que favoreciam o humor político, Allen fez piadas sobre sua própria persona cômica, o homenzinho atormentado por grandes questões filosóficas e sua infalível sorte dura com as mulheres. Este fato foi apreciado por um revisor do New York Times, que o chamou de “o cômico mais fresco a surgir em muitos meses”

O reconhecimento nacional não demorou muito a chegar. O sucesso nos clubes e na televisão levou a um álbum de comédia nomeado Grammy, Woody Allen, em 1964, seguido por Woody Allen, Volume Dois em 1965 e The Third Woody Allen Album em 1968. O humor de Allen encontrou uma saída mais sofisticada quando ele começou a escrever ensaios humorísticos no estilo de S. J. Perelman para a New Yorker em 1966. Três coleções destes ensaios foram publicadas: Encontrar, sem penas, e Efeitos colaterais.

Allen há muito tempo era amante de filmes, americanos e estrangeiros, mas o primeiro em que escreveu e atuou, What’s New, Pussycat? (1965), foi uma má experiência. Recrutado para escrever uma comédia para o público jovem da moda, ele encontrou a experiência

de cinema improvisado de estilo dos anos sessenta, de grande orçamento, que é terrível. “Eu brigava com todos o tempo todo”, disse ele à revista Cinema. “Eu odiava todo mundo, e todos me odiavam. Quando aquele filme acabou, decidi que nunca mais faria outro filme, a menos que tivesse controle total sobre ele”. Mas o filme fez uma fortuna e estabeleceu Woody Allen como um talento cinematográfico “bancável”.

Fiel à sua palavra, ele fez sua estréia como diretor com um filme tão modesto que ninguém jamais pensou em mexer com ele. Lançado pela AIP, uma empresa especializada em filmes de ação e horror de baixo orçamento, What’s Up, Tiger Lily? (1966) foi um filme japonês de James Bond com novo diálogo composto de linhas únicas de sonho colocadas na boca dos personagens por Allen e alguns amigos. “Tudo o que fizemos foi colocar cinco pessoas em uma sala e mantê-las lá improvisando enquanto o filme corria”, disse Allen Rolling Stone. Verdadeiramente para os jovens e os hip, Tiger Lily não ganhou tanto dinheiro quanto Pussycat, mas adquiriu um culto duradouro seguindo.

Beside o lançamento de Tiger Lily, 1966 foi também o ano do casamento de Allen com a atriz Louise Lasser, que forneceu uma das vozes para Tiger Lily, e a abertura da Broadway de sua primeira peça, Don’t Drink the Water, uma comédia sobre uma família judaica americana em férias que entra em água quente atrás da Cortina de Ferro. Don’t Drink the Water correu por mais de um ano e realizou um filme dirigido por Howard Morris; Allen dirigiu um remake televisivo de Don’t Drink the Water em dezembro de 1994. O casamento com Lasser terminou em divórcio após três anos, mas eles permaneceram amigos, e ela atuou nas três primeiras comédias de sucesso de Allen: Take the Money and Run (1969), Bananas (1971), e Tudo o que você sempre quis saber sobre sexo mas teve medo de perguntar (1972).

Allen’s early comedies, made for United Artists—uma empresa que lhe deu controle completo de seu trabalho como escritor-diretor—lembre-se do estilo desordenado, qualquer coisa, das clássicas comédias americanas construídas em torno de talentos de roda livre como os Marx Brothers e W. C. Fields. Como os Marx Brothers, um crítico da revista Time escreveu, Allen estava pronto para “subordinar tudo—trama, plausibilidade, pessoas—ao imperativo de uma boa piada”

Talvez porque exigia um estilo mais controlado, ele confiou a versão cinematográfica de seu segundo sucesso da Broadway, Play It Again, Sam (1972), ao veterano diretor Herbert Ross. Mas foi ele mesmo o protagonista, como havia feito na versão de palco desta comédia romântica sobre um homem que realiza seu sonho: interpretar a última cena de seu filme favorito, Casablanca, na vida real, consigo mesmo no papel de Bogart. Sua co-estrela no palco e no filme foi sua nova amiga e parceira romântica fora da tela, Diane Keaton.

Keaton e Allen também co-estrelaram os dois filmes escritos e dirigidos por Allen que marcam o fim de seu período “precoce, engraçado”. Em Sleeper (1973), o personagem de Allen acorda de um sono criogênico para encontrar-se preso em uma sociedade futura que se parece suspeitosamente com Los Angeles. E em Love and Death (1975), que Allen considera sua melhor comédia, ele assume seus temas favoritos em uma sátira épica de toda a literatura russa.

Foram os talentos de Keaton como atriz que inspiraram Allen a fazer seu primeiro filme sério, uma comédia agridoce sobre um romance fracassado entre dois neuróticos, e foi sem dúvida sua personalidade que o inspirou a criar o personagem título, Annie Hall (1977). (Ela ganhou um Oscar por sua performance; o filme ganhou um total de quatro das premiadas estatuetas de ouro). “O que Woody Allen está fazendo estrelando, escrevendo e dirigindo uma comédia romântica arruinada que é pelo menos tão pungente [angustiante] quanto engraçada e pode ser o filme mais autobiográfico já feito por uma grande revista cômica?” perguntou Time. “O que ele está fazendo está crescendo, bem diante de nossos olhos, e é uma bela visão para se contemplar”

Keaton passou a estrelar para Allen em Interiors (1978), e Manhattan (1979), um sombrio filme em preto-e-branco sobre enganar os nova-iorquinos, que termina com uma saudação à última cena de Charlie Chaplin City Lights. Sua carreira como cineasta sério tinha definitivamente começado.

Annie Hall também marcou o início de uma colaboração de nove filmes com o cineasta Gordon Willis, na qual o crescente domínio de Allen sobre técnicas de produção cinematográfica lhe permitiu criar um novo estilo para cada novo filme. Ele imitou o estilo do diretor italiano Federico Fellini em seu próximo e mais controverso filme, Stardust Memories (1980), no qual ele interpreta um cineasta que parece odiar seus fãs. Apesar da cor e do choro que se seguiu, Allen disse a um entrevistador Esquire em 1987, “O melhor filme que já fiz, na verdade, foi Stardust Memories.

Quando os executivos que lhe deram o controle artístico de seu trabalho deixaram a United Artists e fundaram a Orion Pictures, Allen trabalhou fora de seu contrato com a UA e se juntou a eles. Coincidentemente, a mudança para a Orion também marcou o início de sua colaboração com sua nova parceira fora da tela, a atriz Mia Farrow. Seus quatro primeiros filmes juntos têm todos uma qualidade de conto de fadas: A Midsummer Night’s Sex Comedy (1982) mistura fadas e amantes do luar em uma propriedade rural; Zelig (1983) usa a feitiçaria de efeitos especiais para contar a história de um camaleão humano que alcançou um tipo peculiar de fama na década de 1920; Broadway Danny Rose (1984) transforma a atual Nova York em uma terra nunca antes vista de perdedores do show-business para um romance pungente entre uma beleza atrevida e um agente desafortunado, e The Purple Rose of Cairo (1985) escurece o humor de conto de fadas quando um herói da tela prateada desce à vida real, com conseqüências trágicas para uma dona de casa da era da Depressão, tocada de forma tocante por Farrow.

Hollywood concedeu três Oscars em sua próxima colaboração, Hannah e suas irmãs, na qual Hannah (Farrow) é divorciada de um hipocondríaco, interpretado por Allen, e casada com um filantropo, interpretado por Michael Caine. “Acompanhar a carreira de Woody Allen é exaustivo, mas estimulante”, começou a New York Times revisão de Hannah. “Justo quando chegamos ao topo, outro pico aparece”. Mas Allen, que disse a Eric Lax que “todo o conceito de prêmios é bobagem”, estava preocupado com o sucesso do filme. “Quando ponho para fora um filme que goza de qualquer aceitação que não seja suave ou rancoroso”, ele explicou a Lax, “fico imediatamente desconfiado”

Após Radio Days (1987), um olhar leve sobre a infância de Allen e a Era Dourada do rádio, o humor de seus filmes escureceu novamente. Setembro (1987) reexpõe os dramas psicológicos sombrios de Interiores, e Outra Mulher (1988) emparelha Farrow com uma das maiores atrizes da América,

Gena Rowlands, em uma história de crise de meia-idade. Allen voltou brevemente à comédia na curta Oedipus Wrecks (1989), sobre um homem cujos problemas com sua mãe tomam um rumo sobrenatural. Ele fez então seu filme mais pessimista até hoje, Crimes and Misdemeanors (1989), no qual um respeitável homem casado (Martin Landau) assassina sua amante (Anjelica Huston) e se safa, enquanto o personagem de Allen perde a mulher que ama (Farrow) para um tolo superficial (Alan Alda).

Antes de seu relacionamento fora da tela terminar em um amargo terno de custódia infantil, Allen e Farrow fizeram mais três filmes juntos: Alice (1990), um conto de fadas recordando suas primeiras colaborações, no qual uma dona de casa negligenciada descobre o amor e a vida com a ajuda de um herborista chinês que dispensa poções mágicas; Shadows and Fog (1992), uma saudação cômica aos romances de Franz Kafka ambientados em um país da Europa Central a partir de algum filme mudo alemão, e Husbands and Wives (1992).

Liberado em uma grande quantidade de publicidade sobre a batalha pela custódia, o último filme de Allen com Farrow teve a imprensa procurando paralelos ao romance real de Allen com a filha adotiva de 21 anos de Farrow, Soon-Yi Farrow Previn. Também marcou outro novo começo para Woody Allen, o cineasta. A falência iminente de Orion o obrigou a fazer o filme para Tri-Star, enquanto um estilo de filmagem menos controlado, com uma câmera portátil para acompanhar os atores, trouxe um novo sentido de vida a este olhar contemporâneo selvagem e engraçado sobre casamento e infidelidade. “É um bom filme”, observou o crítico da revista New York, “ainda assim, uma década ou mais pode ter que passar antes que alguém possa vê-lo em si mesmo”

A câmera na mão ainda balançou notavelmente em Mistério do assassinato de Manhattan, que o reúne com Diane Keaton, interpretando um casal casado que suspeita de seu vizinho do lado do assassinato. Uma pura comédia, a primeira de Allen em muitos anos, Manhattan Murder Mystery foi um pit-stop para o cineasta e seus leais fãs antes de seu filme de 1994 Bullets Over Broadway, o melodrama aclamado pela crítica, ambientado nos anos 1920, que se concentra em um grupo de antigos estereótipos da Broadway. Ele continuou com a comédia em 1995, lançando Mighty Aphrodite, um conto contemporâneo de um homem obcecado pela mãe de seu filho adotivo intercalado com cenas parodiando a tragédia grega. O próximo lançamento, Todos dizem que eu te amo, surpreendeu tanto seu elenco quanto seus fãs, marcando a primeira incursão do diretor em musicais. Relatos notaram que ele esperou até duas semanas após os astros do filme assinarem seus contratos para mencionar que ele estava fazendo um musical, e que ele escolheu atores que não foram necessariamente treinados musicalmente de propósito para evocar uma emoção mais honesta nas canções. As resenhas foram mixadas.

O interesse de Allen pela música também se estendeu à sua vida fora da tela—a partir de 1997, ele começou a tocar clarinete regularmente para a Eddy Davis New Orleans Jazz Band todas as segundas-feiras em um clube da cidade de Nova York. Apesar de seus diversos talentos, porém, Allen na vida real pode demonstrar suas tendências neuróticas que são marcas registradas em seus filmes. Ele disse a Jane Wollman Rusoff no site “Mr. Showbiz”, “Eu nunca fiz um filme em que os estudiosos se sentassem e dissessem: ‘Este é o melhor’ … É um objetivo, mas o truque é ter uma grande visão. Isso não é tão fácil”

Leitura adicional sobre Woody Allen

Lax, Eric, On Being Funny: Woody Allen e Comedy, New York, 1975.

Yacowar, Maurice, Loser Take All: The Comic Art of Woody Allen, New York, 1979; rev. ed., 1991.

Palmer, M., Woody Allen,Nova York, 1980.

Jacobs, Diane, … But We Need the Eggs: The Magic of Woody Allen, New York, 1982.

Brode, Douglas, Woody Allen: His Films and Career, New York, 1985.

Pogel, Nancy, Woody Allen, Boston, 1987.

Sinyard, Neil, The Films of Woody Allen, Londres, 1987.

McCann, Graham, Woody Allen: New Yorker, New York, 1990.

Lax, Eric, Woody Allen,Nova York, 1992.

Groteke, Kristi, Mia & Woody,Nova Iorque, 1994.

Björkman, Stig, Woody Allen on Woody Allen, New York, 1995.

Blake, Richard Aloysius, Woody Allen: Profano e Sagrado, Metuchen, Nova Jersey, 1995.

Perspectivas em Woody Allen, editado por Renee R. Curry, Nova York, 1996.

Monitor Científico Cristão, 24 de janeiro de 1997.

Life (Nova York), 21 de março de 1969.

Equire (Nova Iorque), 19 de julho de 1975.

Rolling Stone (Nova York), 16 de setembro de 1993.

>span>Equire (Nova Iorque), outubro de 1994.


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