Fatos de Yasujiro Ozu


>b>O mais chamado de “japonês” dos diretores japoneses, Yasujiro Ozu (1903-1963) criou filmes sobre a vida e as relações familiares da classe média japonesa com simplicidade e austeridade. Conhecido por manter a câmera a um metro do chão para ver os japoneses tradicionais sentados no chão, Ozu apresentou observações silenciosas de pais e filhos presos entre a obrigação e o mundo moderno. Ozu, que era um aclamado diretor no Japão e cujo corpo de trabalho chegou a 54 filmes, começou a ganhar notoriedade no Ocidente no final de sua vida.<

Infância incomum

Yasujiro Ozu nasceu no distrito de Fukugawa, em Tóquio, em 12 de dezembro de 1903, filho de um vendedor de fertilizantes. Raramente via seu pai, ele freqüentava uma escola remota na cidade natal ancestral da família, onde sua mãe, que o criou principalmente. Sua infância não convencional se refletiu em muitos de seus filmes, que invariavelmente tratavam da vida familiar e das relações entre os pais e seus filhos.

Um jovem indisciplinado que não gostava da escola, Ozu preferia assistir aos filmes de Hollywood que tanto amava,

especialmente as de Charlie Chaplin, Harold Lloyd, e Rex Ingram. Ele trabalhou por alguns anos como professor assistente na área rural do Japão e estudou na Universidade Waseda.

A entrada do Ozu no cinema aconteceu em 1923 quando ele conseguiu o emprego de assistente de câmera para o diretor Tadamoto Okuba na Shochiku Motion Picture Company— a empresa cinematográfica na qual ele passaria a maior parte de sua vida profissional. Okuba se tornou o mentor de Ozu que mais tarde influenciou os próprios filmes de Ozu, especialmente suas comédias.

Filmes Silenciosos Dirigidos

Ao longo de um ano de serviço militar, Ozu retornou em 1926 para se tornar diretor assistente em Shochiku. Ele atribuiu seu desejo de se tornar diretor ao épico mudo de Thomas H. Ince de 1916 Civilização. Ozu fez seu primeiro filme em 1927, Zange no yaiba (Espada de Penitência), um filme mudo desigual que mostrava sua falta de experiência. Destemido e armado com seu interesse em filmes de Hollywood, ele começou a adotar uma abordagem de estúdio americano para sua produção cinematográfica.

O primeiro grande filme do Ozu foi um dos últimos grandes filmes mudos. A comédia/drama de 1932 Umarete wa mita keredo (I Was Born But …) teve um sucesso crítico e financeiro e foi nomeado o melhor filme japonês do ano na Kinema Jumpo poll. No filme, como visto através dos olhos das crianças, o mundo dos adultos é ao mesmo tempo ridículo e doloroso. Para este filme, Ozu empregou a técnica que se tornaria sua marca registrada—trabalho de câmera discreto e estático.

Durante sua carreira, Ozu ganharia muitos prêmios. Seu 1933 Dekigokoro (Passing Fancy) foi outro Kinema Jumpo vencedor. O filme mudo de 1934 Ukigusa monogatari (A Story of Floating Weeds) foi um dos poucos filmes que Ozu fez não para Shochiku, mas para a companhia cinematográfica Daiei. Baseado em um filme mudo americano chamado The Barker, Floating Weeds, um filme sobre as aventuras de jogadores viajantes no campo, é considerado uma obra superior. Ainda agarrado aos filmes mudos, Ozu foi um dos últimos diretores a renunciar ao estilo, querendo explorar todas as possibilidades que o meio tinha a oferecer, assim como esperar até que a tecnologia sonora fosse aperfeiçoada. Infelizmente, mais da metade dos 30 filmes mudos de Ozu está perdida.

Colocou a câmera no chão

Nos anos 30, Ozu rejeitou as convenções tanto da produção de filmes japoneses como de Hollywood para criar seu próprio estilo e temas. Ele experimentou com ângulos de câmera, estabelecendo um conceito de simplicidade. Descrevendo sua decisão de limitar o trabalho de câmera, Ozu foi citado no livro de Donald Richie Japanese Cinema, como tendo dito: “Pela primeira vez, renunciei conscientemente ao uso do “fade-in” e do “fade-out”. Geralmente as dissoluções e os desvanecimentos não fazem parte da gramática cinematográfica. Eles são apenas atributos da câmera”. A tática funcionou, pois Ozu se tornou um dos diretores mais populares e respeitados do Japão durante a década.

Ozu ficou conhecido por sua técnica de câmera enganosamente simples que usava uma lente estacionária de 50mm colocada a três metros do chão. Este ângulo baixo correspondia ao nível dos olhos de uma pessoa sentada em tapetes de tatami japoneses no chão de uma casa tradicional. Conseqüentemente, os conjuntos nos filmes de Ozu foram construídos com tetos. Observante, mas nunca intrusiva, a câmera contemplou e relatou o comportamento humano, apresentando apenas o essencial.

Rejeitando a direção mais convencional da câmera através de um espaço de 180 graus para ver a ação, Ozu concentrou-se em vez disso em seus personagens e suas interações. Ele raramente recorreu a dispositivos como fades, dissoluções, panelas, ou imagens de rastreamento. Ao invés disso, através de um trabalho sutil e mínimo da câmera, cortes simples e diálogo medido da conversa cotidiana, ele apresentou cenas que não eram apressadas. Ele freqüentemente texturou seus filmes com salas vazias e paisagens desabitadas.

Focalizado na Família

O fio temático que liga os filmes de Ozu foi a exploração da condição humana, especificamente os problemas domésticos da família contemporânea da classe média japonesa. Silenciosos e praticamente sem tramas, seus filmes relatavam o comportamento humano em situações comuns, evocando nostalgia, dever e sensibilidades japonesas. Não estimulado pelas ações de heróis ou vilões, o conflito surgiu a partir da interação de pessoas comuns, geralmente um pai e uma criança adulta, lidando com os desafios diários. A vida doméstica contrastou com a vida profissional, a tradição com a sociedade moderna, a responsabilidade dos pais com a juventude rebelde.

Ozu freqüentemente usava a repetição em seus filmes para evocar o familiar e o confiável. Ele se referia a uma foto externa de um prédio ou de um lago ou deixava a câmera sobre um personagem principal. Por exemplo, no filme de 1956 Soshun (Early Spring), ele capitulava cenas com uma visão repetida do início da manhã nos subúrbios. Muitos dos mesmos atores voltaram repetidamente nos filmes de Ozu para interpretar personagens semelhantes. O ator favorito de Ozu foi Chishu Ryu, que na maioria das vezes interpretou o pai de uma criança adulta que ele não entende.

Um escritor, assim como um diretor, Ozu perpetuou seu gosto pela repetição, como evidenciado em sua série de filmes intitulados com as estações. Early Spring, 1956; Banshun (Final da Primavera), 1949; Bakushu (Início do Verão), 1951; Kohayagawa-ke no aki (Outono para a Família Kohayagawa), 1961; e Akibiyori (Final do outono), 1960, sugerem uma rodada circular de vida, bem como a primavera ou o outono figurativo da vida de seus personagens. Ele também dirigiu a série Daigaku wa deta keredo (I Graduated But …), 1929; Rakudai wa shita keredo (I Flunked But …), 1930; e I Was Born But…, 1932.

Sucesso Retido após a Guerra

No início, Ozu não se saía bem com fotos falantes. Seus dois primeiros filmes Hitori musuko (O Único Filho), 1936, uma história sobre amor materno, e Shukujo wa nani o wasureta ka (O que a Senhora Esqueceu?) 1937, sobre uma esposa mandona, foram descritos como aborrecidos e mal embalados.

Quando a Segunda Guerra Mundial se aproximava, Ozu foi convocado e enviado à China, e em 1945 foi confinado por seis meses em um campo de prisioneiros de guerra britânicos. Ele fez apenas dois filmes entre 1937 e 1948, continuando a se concentrar em seus valores humanistas habituais, em vez de abordar a guerra. O filme de 1941 Todake no kyodai (The Brothers and Sisters of the Toda Clan), sobre uma mãe e uma filha, foi o primeiro sucesso de bilheteria de Ozu.

aclamação da crítica. O filme foi feito em colaboração com Yuharu Atsuta, que se tornaria o cinegrafista regular de Ozu. O outro filme, Chichi ariki (Havia um Pai), 1942, dizia respeito ao conflito obrigatório entre pais e filhos e praticamente ignorava a guerra.

Após a Segunda Guerra Mundial, Ozu atingiu o auge de seu talento fazendo o que muitos críticos propuseram como alguns de seus melhores filmes. Roger Greenspun do New York Times chamado Ozu’s 1949 film Late Spring o mais belo filme de Ozu que ele conhecia. O estudo de um pai viúvo e sua filha adulta, ambos considerando o casamento, foi também um dos filmes favoritos do próprio diretor.

Direcionou a obra-prima de Tóquio História

O filme mais aclamado de Ozu foi a obra-prima de 1953 Tokyo monogatari (Tokyo Story) sobre um casal de idosos de uma pequena cidade que visitam seus filhos casados em Tóquio. Com seus filhos muito envolvidos no frenesi da vida moderna para dar-lhes a devida atenção, o casal é embalado em uma casa após a outra. Eles recebem bondade somente da viúva de seu filho morto. Logo após o retorno do casal de idosos a casa, a esposa morre. Tokyo Story apareceu nos 10 melhores filmes de todos os tempos em Sight and Sound’s sondagem de críticos internacionais de cinema.

Em seu estilo de marca registrada, Ozu deixou a câmera a alguns metros do chão, sem se mexer. Esta técnica limitou o campo de visão, mas permitiu que a câmera observasse a interação dos personagens. Nenhum ator devia dominar uma cena; a câmera chamava a atenção de todos. Com o ator normal Chishu Ryu interpretando o pai, o filme não condenava nenhum dos personagens. Enquanto os filhos não são retratados como maus, eles são descuidados e não respondem a nada além de seus próprios desejos. O filme defendia uma certa tristeza resignada à maneira como as coisas se tornaram.

Ozu, assim como seus personagens, adotaram esta suave resignação e aceitação que culminou na face da influência corruptora da sociedade do pós-guerra sobre as tradições familiares. Esta

mono no aware perspectiva de vida é uma crença de que o mundo continuará apesar da incerteza que o cerca. Viva no presente, reconheça que o passado se foi, simpatize mas não reclame, encare sua vida com serenidade e calma.

O escopo dos filmes de Ozu eram comédias negras, sátiras, críticas sociais, melodramas e até mesmo um filme de gangsters, o 1933 Hijosen no onna (“Dragnet Girl”). O último filme Ozu feito em preto e branco foi o 1957 Tokyo boshoku (Twilight in Tokyo), talvez seu retrato mais sombrio e pessimista da desintegração da família. Abraçando a cor para a Higanbana de 1958 (Equinox Flower), Ozu empregou um recém-desenvolvido processo de cor-filme japonês para contar a história da geração mais jovem, desta vez com Shin Saburi como o pai se reconciliando com sua filha errante.

Atrasado na carreira de Ozu, a nova onda de artistas japoneses o criticou por seu estilo rígido e pela recusa em abordar questões sociais atuais. Sem se deter, ele fez Sanma no aji (An Autumn Afternoon), 1962, que seria seu último filme. Uma história sobre a solidão, o filme foi influenciado pela morte, durante as filmagens, de sua mãe. Chishu Ryu voltou como viúvo que havia casado com sua única filha e ocupado o resto de seus dias bebendo.

Cineastas influenciados em todo o mundo

Ozu, que viveu com sua mãe até sua morte em 1962, morreu de câncer em 11 de dezembro de 1963, apenas tímido de seu 60º aniversário.

O Ocidente foi lento para abraçar os filmes de Ozu, que só apareceram em teatros ou festivais de cinema estrangeiros nos anos 60, pouco antes de sua morte. Os distribuidores japoneses temiam que seu trabalho fosse muito sutil para o público ocidental, mais familiarizado com as aventuras de Akira Kurosawa e Kenji Mizoguchi, que estavam ganhando prêmios no exterior. No entanto, a simplicidade de apresentação de Ozu felizmente deu a seus filmes um apelo internacional e um desejo universal de família, afeto e segurança.

Ozu tem sido uma influência sobre diretores ocidentais tão diversos como Jim Jarmusch, Paul Schrader, e Martin Scorsese. Ele inspirou um documentário de Wim Wenders e foi frequentemente tema de livros de Donald Richie, um estudioso do cinema japonês.

Em 1983, o dedicado assistente de Ozu Kazuo Inoue produziu um perfil documental do diretor, chamado I Lived But … The Life and Works of Yasujiro Ozu que apresentava entrevistas com a equipe de produção e atores recorrentes de Ozu, além de trechos de telejornais, filmes caseiros e clipes de duas dúzias de filmes de Ozu. O operador de câmera de Ozu, Yuharu Atsuta, filmou o filme, e sua produtora de longa data, Shochiku, produziu-o.

Em 12 de dezembro de 2003, em homenagem aos 100 anos de nascimento de Ozu, o Festival Internacional de Cinema de Berlim, em colaboração com a Shochiku Co. Ltd., apresentará uma retrospectiva sobre o diretor japonês. A retrospectiva será apresentada em festivais em Hong Kong e Nova York.

Livros

Garbicz, Adam e Jacek Klinowski, Cinema, O Veículo Mágico: A Guide to Its Achievement, Scarecrow Press, 1975.

Richie, Donald., Cinema Japonês: Estilo de Filme & Personagem Nacional, Anchor Books, 1971.

Shipman, David, The Story of Cinema, St. Martin’s Press, 1982.

Thomson, David, Biographical Dictionary of Film, Alfred A.Knopf Co., 1996.

Online

Malcolm, Derek, “Yasujiro Ozu”: Tokyo Story”, The Guardian, http://film.guardian.co.uk/Century_Of_Films/Story/0,4135,217142,00.html (3 de fevereiro de 2003).

“Ozu: Poeta do Cotidiano”, Harvard Film Archive website, http: //www.harvardfilmarchive.org/calendars/99sep/ozu.htm (3 de fevereiro de 2003).

“Yasujiro Ozu”, Malaspina Great Books, http: //www.malespina.com/site/person_906.asp (3 de fevereiro de 2003).

“Yasujiro Ozu”, Cinema Mundial: Diretores, http: //www.geocities.com/Paris/Metro/9384/directors/ozu.htm (3 de fevereiro de 2003).

“Yasujiro Ozu”, Yahoo Movies, http://movies.yahoo.com (3 de fevereiro de 2003).


GOSTOU? PARTILHE COM OS SEUS AMIGOS!