Fatos de William Shakespeare


O dramaturgo, poeta e ator inglês William Shakespeare (1564-1616) é geralmente reconhecido como o maior dos escritores ingleses e um dos mais extraordinários criadores da história humana.<

O fato mais crucial sobre a carreira de William Shakespeare é que ele era um dramaturgo popular. Nascido 6 anos após a rainha Isabel I ter subido ao trono, contemporâneo do alto período da Renascença inglesa, Shakespeare teve a boa sorte de encontrar no teatro de Londres um médium que acabava de entrar em seu próprio teatro e um público, atraído por uma grande variedade de classes sociais, ansioso para recompensar talentos do tipo que ele possuía. Toda sua vida foi comprometida com o teatro público, e ele parece ter escrito poesia não dramática somente quando o fechamento forçado do teatro tornou impraticável a escrita de peças de teatro. É igualmente notável que seus dias no teatro foram quase exatamente contemporâneos das outras realizações marcantes do teatro— o trabalho, por exemplo, de Christopher Marlowe, Ben Jonson, e John Webster.

Shakespeare nasceu em 23 de abril de 1564 ou pouco antes, na pequena mas então importante cidade de Warwickshire, Stratford. Sua mãe, nascida Mary Arden, era filha de um latifundiário de uma aldeia vizinha. Seu pai, John, filho de um fazendeiro, era fabricante de luvas e comerciante de produtos agrícolas; ele tinha alcançado uma posição de alguma eminência na próspera cidade do mercado na época do nascimento de seu filho, ocupando vários cargos de responsabilidade no governo de Stratford e servindo como prefeito em 1569. Em 1576, entretanto, John Shakespeare tinha começado a encontrar as dificuldades financeiras que o atormentariam até sua morte em 1601.

Embora nenhum documento pessoal sobreviva dos anos escolares de Shakespeare, sua obra literária mostra a marca da excelente e cansativa educação oferecida na escola primária de Stratford (algumas reminiscências dos dias escolares de Stratford podem ter dado toques divertidos nas cenas em The Merry Wives of Windsor). Como outros rapazes da escola Elizabethan, Shakespeare estudou gramática latina durante os primeiros anos, depois progrediu para o estudo da lógica, retórica, composição,

oração, versificação e os monumentos da literatura romana. O trabalho foi conduzido em latim e se baseou fortemente na memorização da corda e da vara do mestre. Uma tradição plausível sustenta que William teve que interromper sua educação quando tinha cerca de 13 anos, a fim de ajudar seu pai. Aos 18 anos, ele se casou com Ann Hathaway, uma garota de Stratford. Eles tiveram três filhos (Susanna, 1583-1649; Hamnet, 1585-1596; e sua gêmea, Judith, 1585-1662) e que deveria sobreviver a ele por 7 anos. Shakespeare permaneceu ativamente envolvido nos assuntos de Stratford durante toda sua vida, mesmo quando morava em Londres, e se aposentou lá no final de sua carreira.

Os anos entre 1585 e 1592, não tendo deixado nenhuma evidência sobre as atividades de Shakespeare, foram o foco de considerável especulação; entre outras coisas, conjeturas o teriam como um ator itinerante ou um mestre de escola do campo. O primeiro aviso sobrevivente de sua carreira em Londres é um ataque invejoso ao “corvo de partida” de Robert Greene, um dramaturgo, homem de letras profissional e extravagante, cuja carreira estava no fim em 1592, embora ele fosse apenas 6 anos mais velho que Shakespeare. O clamor de Greene testemunha, tanto em sua paixão como no trabalho que implica que Shakespeare já vinha fazendo há algum tempo, que o jovem poeta já se tinha estabelecido na capital. Assim como a qualidade das primeiras peças de Shakespeare: é difícil acreditar que mesmo Shakespeare poderia ter mostrado tal maestria sem vários anos de aprendizagem.

Carreira de carreira

A primeira peça de Shakespeare é provavelmente A Comédia de Erros (1590; como a maioria das datas para as peças, isto é conjectural

e pode demorar um ou dois anos), uma brilhante e intrincada farsa envolvendo dois conjuntos de gêmeos idênticos e baseada em duas comédias já complicadas do Plautus Romano. Apesar de menos completa, sua próxima comédia, The Two Gentlemen of Verona (1591), é mais profética da comédia posterior de Shakespeare, pois sua trama depende de dispositivos como uma menina fiel que educa seu amante inconstante, bosques românticos, uma menina vestida de menino, reformas repentinas, música e casamentos felizes no final. A última das primeiras comédias, Love’s Labour’s Lost (1593), é novamente romântica, lidando com a tentativa de três jovens homens de se retirarem do mundo e mulheres por 3 anos para estudar na “pequena Academia” de seu rei, e sua rápida rendição a um grupo de jovens senhoras que vêm para se alojar nas proximidades. Se a primeira das comédias é mais notável por sua trama e a segunda por seus elementos românticos, a terceira se distingue por sua linguagem deslumbrante e sua galeria de tipos cômicos. Shakespeare já havia aprendido a fundir personagens convencionais com representações convincentes da vida humana que ele conhecia.

P>Pois pouco lido e realizado agora, as primeiras peças de Shakespeare na popular “crônica”, ou história, gênero, são igualmente ambiciosas e impressionantes. Lidando com os tumultuosos eventos da história inglesa entre a morte de Henrique V em 1422 e a adesão de Henrique VII em 1485 (que iniciou o período de estabilidade de Tudor mantido pela própria rainha de Shakespeare), as três “partes” de Henry VI (1592) e Richard III (1594) não são experiências experimentais na forma: ao contrário, elas constituem uma tetralogia gigantesca, na qual cada parte é um jogo soberbo individualmente e uma parte integrante de uma seqüência épica. Nada tão ambicioso jamais havia sido tentado na Inglaterra de uma forma até então marcada pela ausência de formas escandalosas.

A primeira tragédia de Shakespeare, Titus Andronicus (1593), revela ambição semelhante. Apesar de sua câmara de horrores— incluindo mutilações e assassinatos engenhosos— parece que o leitor moderno pertence a uma tradição teatral não mais viável, a peça é de fato uma tentativa brilhante e bem sucedida de superar os esforços dos predecessores de Shakespeare na tradição espalhafatosa da peça de vingança.

Quando os teatros foram fechados por causa da peste durante grande parte de 1593-1594, Shakespeare olhou para a poesia não dramática por seu apoio e escreveu duas obras-primas narrativas, a seriedade Venus e Adonis e a trágica Rape de Lucrece, para um patrono rico, o Conde de Southampton. Ambos os poemas levam as técnicas sofisticadas do verso narrativo elizabetano ao seu ponto mais alto, aproveitando os recursos das tradições mitológicas e simbólicas da Renascença.

Os poemas mais famosos de Shakespeare, provavelmente compostos neste período mas não publicados até 1609, e depois não pelo autor, são os 154 sonetos, os exemplos supremos em inglês da forma. Escrevendo no final de uma breve e frenética voga para seqüências de sonetos, Shakespeare encontrou na lírica convencional de 14 linhas com seu esquema de rima fixa um veículo para inovações técnicas inesgotáveis— para Shakespeare ainda mais do que para outros poetas, a natureza restritiva do soneto gera uma liberdade de invenção paradoxal que é a vida da forma— e para a expressão de emoções e idéias que vão desde o frívolo ao trágico. Embora muitas vezes sugestivo de revelação autobiográfica, os sonetos não podem ser provados como sendo menos fictícios do que as peças de teatro. A identidade de seu dedicado, “Sr. W. H.”, permanece um mistério, assim como a questão de saber se existiam contrapartidas reais para a famosa “senhora das trevas” e o amigo infiel que são objeto de vários poemas. Mas o principal valor destes poemas é intrínseco: só os sonetos teriam estabelecido a preeminência de Shakespeare entre os poetas ingleses.

Homens do Senhor Chamberlain’s Men

Por 1594 Shakespeare estava totalmente engajado em sua carreira. Naquele ano ele se tornou o escritor principal do bem-sucedido Lord Chamberlain’s Men— uma das duas principais companhias de atores; um ator regular da companhia; e um “sharer”, ou sócio, do grupo de artistas-gerentes que dirigiu toda a operação e que, em 1599, tiveram o Globe Theater construído na margem sul do Tamisa. A companhia se apresentava regularmente em teatros sem telhado, mas elaborados. Exigidos por lei para serem colocados fora dos limites da cidade, estes teatros eram o orgulho de Londres, entre os primeiros lugares mostrados para visitantes estrangeiros, e acomodavam até 3.000 pessoas. Os atores se apresentavam em um enorme palco de plataforma equipado com níveis teatrais adicionais e cercado por três lados pelo público; a ausência de cenários tornou possível um fluxo de cenas comparável ao dos filmes, e a música, figurinos e engenhosas máquinas de palco criaram ilusões de sucesso sob o sol da tarde.

Para esta empresa, Shakespeare produziu uma efusão constante de peças de teatro. As comédias incluem The Taming of the Shrew (1594), fascinante à luz das primeiras comédias desde que se combina com um enredo ao estilo italiano, no qual toda a ação ocorre em um dia, um enredo mais caracteristicamente inglês e shakespeariano, a domesticação de Kate, no qual passa muito mais tempo; Um Sonho de Uma Noite de Verão (1595), no qual “mecânicos rudes”, artesãos sem imaginação, se enredam com fadas e poções mágicas no bosque iluminado pela lua, para onde jovens amantes fugiram de uma sociedade adulta tirânica; O Mercador de Veneza (1596), que contribuiu com Shylock e Portia para a tradição literária inglesa; Much Adoption about Nothing (1598), com uma trama principal melodramática cuja heroína é maligna e quase levada à morte por um vilão conivente e um subplot cômico cuja Beatrice e Benedick continuam sendo os amantes da luta arquetípica; The Merry Wives of Windsor (1599), mantida pela tradição de ter sido escrita em resposta ao pedido da Rainha de que Shakespeare escrevesse outra peça sobre Falstaff (que tinha aparecido em Henry IV), desta vez apaixonada; e em 1600 a pastoral As You Like It, um retorno maduro à floresta e às convenções de The Two Gentlemen of Verona e A Midsummer Night’s Dream, e Twelfth Night, talvez a mais perfeita das comédias, um romance de gêmeos idênticos separados no mar, amor jovem, e as artimanhas de Malvolio e Sir Toby Belch.

As únicas tragédias do período de Shakespeare estão entre suas peças mais familiares: Romeo e Julieta (1596), Julius Caesar (1599), e Hamlet (1601). Diferentes entre si como são, estas três peças compartilham algumas características notáveis: o cenário de uma intensa tragédia pessoal em um grande

mundo vividamente povoado pelo que parece ser toda a humanidade; uma recusa, partilhada pela maioria dos contemporâneos de Shakespeare no teatro, de separar situações e técnicas cômicas de trágicas; a presença constante da política; e—um fenômeno pessoal e não convencional—uma estrutura trágica na qual o que há de melhor no protagonista é o que o faz quando se encontra em conflito com o mundo.

Continuando seu interesse na crônica, Shakespeare escreveu o Rei João (1596), apesar de seu único personagem forte, uma peça relativamente fraca; e a segunda e maior tetralogia, que vai de Richard II (1595), na qual o forte Bolingbroke, com uma justiça ambígua do seu lado, deposita o rei fraco mas poético, através das duas partes de Henry IV (1597), na qual o maravilhosamente amoral, O cavaleiro gordo Falstaff acompanha o Príncipe Hal, filho de Bolingbroke, a Henry V (1599), no qual Hal, tornando-se rei, lidera uma Inglaterra recém unificada, suas guerras civis temporariamente no fim, mas tristemente privada de Falstaff e do dissidente humilde que proporcionou tanta alegria nas peças anteriores, para triunfar sobre a França. Mais impressionantemente que a primeira tetralogia, a segunda transforma a história em arte. Abrangendo os pólos da comédia e da tragédia, vivos com uma magnífica variedade de personagens inesquecíveis, ligados uns aos outros como uma grande peça enquanto cada uma é um sucesso completo e independente por direito próprio— as quatro peças colocam perguntas perturbadoras e sem resposta sobre a política, fazendo refletir sobre a freqüente diferença entre o homem capaz de governar e o homem digno de fazê-lo, o significado da legitimidade no cargo, o valor da ordem e da estabilidade contra o valor da mudança revolucionária, e a relação da vida privada com a vida pública. As peças são obras de arte exuberantes, mas não são otimistas em relação ao homem como animal político, e seu reconhecimento sem hesitações da dinâmica da história as tornou cada vez mais populares e relevantes em nossa própria época atormentada.

Três peças do fim do reinado de Elizabeth são frequentemente agrupadas como “peças problemáticas” de Shakespeare, embora nenhuma definição desse termo seja capaz de diferenciá-las com sucesso como um grupo exclusivo. All’s Well That Ends Well (1602) é uma comédia romântica com qualidades que parecem amargas para muitos críticos; como outras peças da época, por Shakespeare e por seus contemporâneos, ela apresenta as relações sexuais entre homens e mulheres sob uma luz dura. Troilus e Cressida (1602), a mais difícil de classificar genericamente, é uma peça brilhante, sardônica e desiludida sobre a Guerra de Tróia, invulgarmente filosófica em sua linguagem e reminiscente em alguns aspectos de Hamlet. A tragicômica Measure for Measure (1604) enfoca mais os problemas sexuais do que qualquer outra peça do cânon; Angelo, o homem puritano e reprimido do gelo que sucumbe a impulsos sexuais violentos no momento em que é colocado em autoridade temporária sobre Viena durante a ausência do duque, e Isabella, a vítima de sua luxúria, são dois dos personagens mais interessantes de Shakespeare, e a cidade bawdy na qual a ação ocorre sugere uma Londres na qual um novo clima de desesperança urbana moderna está se instalando.

King’s Men

Prontamente após sua adesão em 1603, o Rei James I, mais ardentemente atraído pela arte teatral do que seu predecessor, concedeu seu patrocínio aos Homens do Lord Chamberlain, de modo que a bandeira dos Homens do Rei agora sobrevoava o Globo. Durante sua última década no teatro, Shakespeare escreveu menos peças, mas talvez até mais finas. Quase todas as maiores tragédias pertencem a este período. Embora compartilhem das qualidades das tragédias anteriores, tomados como um grupo, eles manifestam novas tendências. Os heróis são dominados por paixões que tornam seu status moral cada vez mais ambíguo, sua liberdade cada vez mais circunscrita; da mesma forma, a sociedade, até mesmo o cosmo, contra o qual eles lutam sugere menos do que nunca que tudo pode estar certo no mundo. Como antes, o que destrói o herói é o que há de melhor nele, mas o melhor em Macbeth ou Otelo não pode ser tão simplesmente elogiado como o impetuoso ardor de Romeu ou o idealismo político de Brutus (por mais fátuo que seja). As tragédias tardias são, cada uma a seu modo, dramas de alienação, e seu foco, como o das histórias, continua a ser sentido como intensamente relevante para as preocupações dos homens modernos.

Othello (1604) está preocupado, como outras peças do período, com a impureza sexual, com a diferença de que essa impureza é a fantasia do protagonista sobre sua fiel esposa. Iago, o vilão que leva Otelo à dúvida e ao assassinato, é o ponto culminante de duas tradições distintas, o conspirador “maquiavélico” que usa o engano para subverter a ordem da política, e o vício, uma figura esquizofrênica do diabo tragicômico das peças morais que saem de moda com o crescimento de Shakespeare. King Lear (1605), para muitas obras-primas de Shakespeare, é uma versão trágica agonizante de uma peça cômica (ela mesma baseada na mítica história inicial da Inglaterra), na qual um rei idoso que tolamente priva sua única filha amorosa de sua herança para deixar tudo para suas irmãs hipócritas e viciosas é perseguido até a morte por uma aliança malévola que às vezes parece incluir a própria natureza. Transformada a partir de suas origens de contos de fadas, a peça envolve tanto seus personagens quanto seu público em questões metafísicas que são mais sentidas do que pensadas.

>span>Macbeth (1606), igualmente baseado em material de crônica inglesa, concentra-se nos problemas do mal e da liberdade, convincentemente mistura o sobrenatural com uma representação da história, e torna um herói paradoxalmente simpático de um assassino que peca contra a família e o estado— um homem em alguns aspectos pior que o vilão de Hamlet.

Contos dramáticos de Plutarco Vidas paralelas, Antônio e Cleópatra e Coriolanus (ambos escritos em 1607-1608) encarnam as imagens mais amargas da vida política de Shakespeare, a primeira colocando contra o chamado ao dever romano a tentação de libertar a paixão sexual, a segunda colocando um protagonista que não pode viver com hipocrisia contra uma sociedade construída sobre ela. Ambas estas tragédias apresentam a história antiga com uma vivacidade que a faz parecer contemporânea, embora a sensualidade de Antony e Cleópatra, a riqueza de seus detalhes, a ebulição de sua linguagem, e o caráter sedutor de sua heroína a tornaram muito mais popular do que a dura e austera Coriolanus. Mais uma tragédia, Timon de Atenas, similarmente baseada em Plutarco, foi escrita durante este período, embora sua data seja obscura. Apesar de seu brilho abundante, poucos a consideram uma peça totalmente satisfatória, e alguns críticos especularam que o que temos pode ser um rascunho incompleto. O punhado de tragédias que Shakespeare escreveu

entre 1604 e 1608 compreende uma série surpreendente de mundos diferentes uns dos outros, criados de uma linguagem que excede tudo o que Shakespeare tinha feito antes, alguns dos personagens mais complexos e vívidos de todas as peças e uma variedade de novas técnicas estruturais.

Um último grupo de peças dá uma volta em uma nova direção. Comumente chamados de “romances”, Pericles (1607), Cymbeline (1609), The Winter’s Tale (1611), e The Tempest (1611) compartilham suas convenções com a tragicomédia que vinha crescendo popular desde os primeiros anos do século. Particularmente, eles se assemelham em alguns aspectos a peças escritas por Beaumont e Fletcher para a companhia teatral privada cuja operação os Homens do Rei assumiram em 1608. Enquanto tal trabalho nas mãos de outros, porém, tendia a refletir os interesses social e intelectualmente estreitos de um público de elite, Shakespeare transformou a moda em um novo tipo de forma de arte pessoal. Apesar de menos cativantes que as grandes tragédias, estas peças têm um poder único de movimentação e estão no reino da arte mais elevada. Pericles e Cymbeline parecem um tanto tímidas e experimentais, embora ambas sejam peças soberbas. The Winter’s Tale, entretanto, é uma das melhores peças de Shakespeare. Como uma reescrita de Othello em seus primeiros atos, ela se transforma milagrosamente em comédia pastoral em seus últimos. The Tempest é a mais popular e talvez a mais fina do grupo. Prospero, naufragado em uma ilha e dominando-a com a magia que ele renuncia no final, pode muito bem ser pretendido como uma imagem do próprio Shakespeare; em qualquer caso, a peça é como um olhar retrospectivo sobre as peças das 2 décadas anteriores.

Após a composição de The Tempest, que muitos consideram como um adeus explícito à arte, Shakespeare se retirou para Stratford, retornando a Londres para compor Henry VIII e The Two Noble Kinsmen em 1613; nenhuma destas peças parece ter disparado sua imaginação. Em 1616, aos 52 anos de idade, ele estava morto. Sua reputação cresceu rapidamente, e seu trabalho continuou a parecer a cada geração como sua mais preciosa descoberta. Seu valor para sua própria idade é sugerido pelo fato de dois colegas atores terem realizado o ato virtualmente inédito em 1623 de reunir suas peças e publicá-las na edição da Folio. Sem seus esforços, já que Shakespeare aparentemente não estava interessado na publicação, muitas das peças não teriam sobrevivido.

Leitura adicional sobre William Shakespeare

Alfred Harbage, ed., The Complete Pelican Shakespeare (1969), é um texto sonoro de um volume com introduções e bibliografias úteis. Para edições de peças individuais, o Novo Arden Shakespeare, em andamento, é a melhor série. A fonte autorizada para informações biográficas é Sir Edmund K. Chambers, William Shakespeare: A Study of Facts and Problems (2 vols., 1930). Resumos mais confiáveis são Marchette G. Chute’s highly readable Shakespeare of London (1949) e Gerald E. Bentley, Shakespeare: A Biographical Handbook (1961).

O corpo de críticas de Shakespeare é tão grande que a seleção deve ser arbitrária. Augustus Ralli, A História da Crítica de Shakespeare (2 vols., 1932), é um guia através das matas do passado. Ronald Berman, A Reader’s Guide to Shakespeare’s Plays (1965), fornece bibliografias anotadas de forma útil. Samuel Taylor Coleridge’s Writings on Shakespeare, editado por Terence Hawkes (1959), oferece críticas inestimáveis e influentes de um grande poeta romântico, e A. C. Bradley, Shakespearean Tragedy: Palestras sobre Hamlet, Othello, King Lear, Macbeth (1904), continua sendo um dos livros indispensáveis. As críticas do século XX podem ser amostradas em Leonard F. Dean, Shakespeare: Modern Essays in Criticism (1957; rev. ed. 1967), e Norman Rabkin, Aplicações a Shakespeare (1964). Outros estudos dignos de nota incluem G. Wilson Knight, The Wheel of Fire: Interpretations of Shakespeare’s Tragedy (1930; 5ª rev. ed. 1957); Derek A. Traversi, An Approach to Shakespeare (1938; rev. ed., 2 vols, 1968); Mark Van Doren, Shakespeare (1939); Harley Granville-Barker, Prefaces para Shakespeare (1946-1947), editado por M. St. Clare Byrne (4 vols., 4 vols., 1938; rev. ed., 2 vols., 1938); Mark Van Doren, Shakespeare (1939); Harley Granville-Barker, Prefaces para Shakespeare (1946-1947), editado por M. St, (1954); John Russell Brown, Shakespeare and His Comedies (1957; 2d ed. 1962); C. L. Barber, Shakespeare’s Festive Comedy: A Study of Dramatic Form and Its Relation to Social Custom (1959); L.C. Knights, Some Shakespearean Themes (1959); Norman Rabkin, Shakespeare and the Common Understanding (1967); e Stephen Booth, An Essay on Shakespeare’s Sonnets (1969).

Estudos dos teatros estão em C. Walter Hodges, The Globe Restored: A Study of the Elizabethan Theatre (1953), e A.M. Nagler, Shakespeare’s Stage (1958); e da encenação, em Bernard Beckerman, Shakespeare at the Globe, 1599-1609 (1962). O relato padrão do público é Alfred Harbage, Shakespeare’s Audience (1941). O melhor relato do drama do início da Renascença está em Frank P. Wilson e Bonamy Dobrée, eds., Oxford History of English Literature, vol. 4 (1969). Oscar J. Campbell e Edward G. Quinn, eds., The Reader’s Encyclopedia of Shakespeare (1966), é um manual compêndio.


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